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Sola en la oscuridad (1967): Peligro entre tinieblas



El fotógrafo Sam Hendrix conoce en un avión a una modelo. La joven lleva consigo una muñeca llena de droga y la cambia por una muñeca de regalo que lleva Sam sin que éste se dé cuenta.

Más tarde, en Greenwich Village, dos delincuentes que tratan de recuperar la droga se encuentran en el apartamento del fotógrafo con Roat (Alan Arkin), un despiadado criminal que ha asesinado a la modelo porque intentaba traicionarlo. 
Su conversación se ve interrumpida por la llegada de Susy (Audrey Hepburn), la esposa de Sam, que es ciega.

Interesante historia con un guión que podría haber sido firmado por el mismísimo Hitchcock, porque se desarrolla, casi en su totalidad en un pequeño apartamento de Nueva York, y tiene 5-6 personajes y una trama muy sencilla.

La diferencia está, claro es, en la trama en sí: el malo, malísimo, intenta recuperar una muñeca con droga (para los ojos de esta época, en mi opinión, se ve una cantidad de droga muy ridícula para tanta historia), que tiene, circunstancialmente, la mujer ciega de un fotógrafo que se ha ido de viaje.

Suzy es un personaje astuto, a pesar de su discapacidad visual. Ella aprovechará sus otros sentidos, para desatarse en las situaciones que se le presentan, y conseguirá engañar en varias ocasiones a sus atacantes.

Siendo Audrey Hepburn una de las actrices más reconocidas en la historia del cine, no se puede esperar menos que una actuación espléndida. Sorprende gratamente la capacidad de deducción de su personaje, que presenta un sexto sentido a la hora de obtener información a través de los aromas, sonidos, las conversaciones y la intuición propia.

Con respecto al resto de actuaciones, Richard Crenna está irreprochable en su labor y Alan Arkin frío y destacable en su tarea. El resto de secundarios están simplemente correctos y no restan calidad a la película.

Como curiosidad, decir que la historia está basada en la obra de teatro homónima de Frederick Kont, autor de "Crimen perfecto" y otros éxitos policíacos.

En la original representación teatral de ‘Sola en la oscuridad’: en el momento de mayor tensión, apagaron las luces de toda la sala y los espectadores se quedaron completamente a oscuras. 

El director Terence Young ,volvió a repetir para la gran pantalla este mismo experimento. Y le funcionó a la perfección.


Una pequeña gran película que logra camuflar bastante bien el origen teatral de su argumento, manteniendo estupendamente la tensión en el ánimo del espectador, que quiera degustar una producción tan asfixiante como bien elaborada.





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El Quinteto de la Muerte (1955): La anciana de la muerte



En una casa aislada y próxima a las vías del tren vive la señora Wilberforce, una venerable anciana que alquila dos habitaciones al misterioso profesor Marcus y a los cuatro miembros de su siniestra banda de música.

Conseguir que una comedia funcione a la perfección, y que el mecanismo por el que eso sucede no se note en pantalla, es algo a lo que cualquier director debe aspirar.

Puede haber muchos gags y situaciones brillantes, pero que esa suma de momentos aislados den como resultado una obra redonda, en la que todo fluye sin aparente esfuerzo, es algo que muy pocas veces se consigue.

Todo esto que comento en el párrafo anterior se cumple a la perfección en El quinteto de muerte, deliciosa comedia, con toques muy negros, que funciona de manera precisa y brillante, ofreciendo elevadas dosis de originalidad y un acabado visual impecable.

La historia de "El quinteto de la muerte", tiene como protagonista a una entrañable anciana, de modélicos modales, que vive en una peculiar casa con vistas a las vías del tren. 

Allí recibe la visita de un extraño caballero que busca alquilar una habitación donde vivir y, además, poder ensayar con su  quinteto de música. 

La anciana le acoge en su casa, encantada con la posibilidad de escuchar los ensayos.

La intención de este hombre y su quinteto de música es bien distinta, ya que su idea es cometer un robo por todo lo alto, en el que la ancianita tendrá un papel importante sin ella saberlo.

A partir de ese momento, la sucesión de equívocos provocarán un desarrollo de los acontecimientos realmente desternillante, donde los ladrones se darán cuenta, que su mayor problema no será hacerse con el dinero, sino soportar a la “tierna” anciana.

Esta sucesión de situaciones cómicas, con algún grado de tensión incluido, desembocan en un final más negro que el carbón, como el transportan esos vagones que tanto protagonismo, adquieren al final de la película.

Es evidente la maestría del “casting” en la configuración física de los cinco esperpénticos ladrones, con escenas que definen claramente su personalidad:

Marcus (Guinness) es hipócrita y vehemente, de mirada ratonil y gestos expresionistas; Louis (Herbert Lom), es el más caricaturesco de todos en su indisimulada maldad, vestido como un gánster de Chicago, incapaz de mantener en la postura correcta, el violín que le ha tocado en suerte.

Después tenemos a Lawson (Danny Green), que simula ser contrabajista dada su corpulencia, la misma que le convierte en un gigantón entrañable y algo corto de luces; Harry Robinson (Peter Sellers) es el menudo y amable del grupo, el más cómico y convincente. 

Por último, el mayor Courtney (Cecil Parker) resulta en cambio el más asustadizo y el más incrédulo en cuanto al golpe.


Una comedia británica original y corrosiva, que sabe sacar partido a situaciones cruentas, para convertirlas en humor chispeante.







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Gente Corriente (1980): Dramas familiares de gente normal



Conrad acaba de salir del hospital después de haber intentado suicidarse a raíz de la muerte de su hermano en un accidente. Mantiene una relación muy tensa con su madre y vive atormentado por sentimientos de culpa.

Aunque visita todas las semanas a un psiquiatra, no se siente a gusto hasta que conoce a una compañera del coro y empiezan a salir juntos.

Ordinary people", primera película dirigida por Robert Redford (con una no muy extensa, pero interesante filmografía), está basada en la novela del mismo título de la psicóloga estadounidense Judith Guest.

La autora, que había tenido en su despacho a un buen número de adolescentes, sintió que las crisis familiares que suelen darse entre estos y sus padres, daban para unas interesantes historias.

Podemos discutir si era la mejor película del año, pero de lo que no tengo dudas es que estamos ante un muy buen film.

Yendo formalmente a contracorriente del cine de la época, por su ritmo soegado, y sin aspavientos, consigue conectar con las únicas herramientas de la palabra y los silencios.

Las actuaciones son un punto a favor, Timothy Hutton en una composición magistral, dando vida al personaje más acomplejado por la desgracia, en parte por sentirse culpable, y por otro lado por la etapa de su vida en que se produce esta pérdida. Merecido su Oscar como mejor actor de reparto.

Mary Tyler Moore y Donald Sutherland consiguen hacer creíble cada escena del filme, y aportan la cuota de experiencia para darle a la cinta el toque aplomado y sobrio necesario para este tipo de filmes.

Me gustó mucho cómo están retratados cada uno de los personajes, muy bien caracterizados, interactúan en un argumento solvente y sólido desde el aspecto lógico.

La mayor virtud de la cinta es que es realista. Es el retrato de una familia que se cae a pedazos fruto de una tragedia pasada, y de un joven que no consigue salir de la depresión en la que se encuentra sumido, víctima de su propio hundimiento, culpa y desolación.

Lleno de dudas y desesperación, Conrad sufre, como sufre su padre, su madre, su amiga, y como todo el mundo. 

Porque ellos, con su tragedia, y a pesar de todo, no son más que eso, gente corriente.

Gente corriente de clase media-alta, que llena sus vacías vidas con lujos y caprichos (teatros, fiestas) que no palian la pena que sienten en el fondo.

Película muy recomendable y de visión obligada para entender un poco de las relaciones familiares, pues en toda familia se esconden dramas a la luz del día o a puertas cerradas.


Puede que después de verla, echemos una ojeada a nuestra propia familia y nuestros pequeños dramas.





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Pena de Muerte (1995): ¿Hasta qué punto se debe perdonar?


Matthew Poncelet (Sean Penn), un hombre condenado a la pena capital por el asesinato de dos adolescentes, reclama desde la prisión la ayuda de la hermana Helen Prejean (Susan Sarandon).

Durante la semana anterior a la ejecución, Helen intentará que Matthew consiga la absolución y la paz espiritual. Sin embargo, a la hermana Helen no sólo le angustia la espantosa agonía del condenado, sino también el dolor de las familias de las víctimas.

El actor Tim Robbins dirige y escribe esta película basada en un hecho real, que consta en el libro autobiográfico de la hermana Helen Prejean, en el que plasma sus vivencias y experiencias sobre la pena capital.

Este drama, nos pone a reflexionar sobre las conductas humanas y a la vez nos inserta en diversas cuestiones socio culturales. No es una cinta fácil, puesto que trata uno de los temas más controvertidos y discutidos de nuestro tiempo; la pena de muerte.

Tim Robbins tiene una ideología clara que no se molesta en ocultar, pero en esta película no juzga a ninguno de los personajes.

Por eso, no estoy para nada de acuerdo con los que dicen que la película peca de ser parcial; creo que deja que el espectador saque sus propias conclusiones, a través de diferentes puntos de vista; el del acusado, de su propia familia o de las víctimas. 

Que la película intente mostrarte que la pena de muerte está "bien" o "mal", eso ya lo decide el espectador.

La intención de Tim Robbins es mostrar a dos seres humanos distintos, en una situación en que se pondrán en juego sus valores.

Susan Sarandon interpreta de forma magistral, en uno de sus mejores papeles a una mujer valiente, luchadora, bondadosa y comprometida con la "inocencia" del presunto asesino. 

Es esa valentía lo que puede hacer llevarnos a pensar que estemos ante un personaje controvertido. ¿Debe la monja involucrarse tanto con un ser miserable?

Por otro lado el personaje magnificamente perfilado e interpretado por Penn nos deja otra reflexión. Y es, que toda persona tiene su lado más humano, hasta cualquier ser despreciable tiene sus momentos de arrepentimiento, al menos eso nos deja ver Robbins con su acertada dirección.


Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, vestuarios y narrativa que hacen de Pena de muerte, uno de esos films que impactan al público, independientemente de si están a favor o no, de la pena capital.






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Ghost in the Shell (1995): ¿Cuando un humano deja de serlo?


Un filme de animación dirigido por el cineasta japonés Mamoru Oshii, y recogido directamente de un manga homónimo de Masamune Shirow.

Estamos hablando de su película más reconocida internacionalmente y, además, de uno de los animes más laureados y queridos en Japón, un país donde el género steampunk y las obras de ciencia ficción en general pegaron muy fuerte hace unas décadas, sobre todo en lo que al anime respecta.

Ghost in the Shell tiene el privilegio de ser, para idiosincrasia japonesa, una de las mejores películas de animación que se hayan filmado jamás allí, título que comparte con Akira (1988). Hablar de esta película, es hablar de una de las obras cumbres de la animación,del cyberpunk y la ciencia ficción.

A grandes rasgos, nos encontramos aquí con un mundo, donde la frontera entre humanos y robots es casi nula.

Una sociedad compuesta por humanos “naturales” (con nulos o casi nulos cambios), robots y los cyborgs (combinación de ambos).

De pronto aparece un misterioso personaje llamado el Maestro de Marionetas, que se dedica a hackear “almas” (espíritus, fantasmas, mentes…) con intenciones cyberterroristas, aunque en realidad, nadie sabe muy bien qué es lo que busca.

La sección 9, un cuerpo especial de seguridad formado por humanos modificados (para entendernos: cyborgs) se encargará de investigar al terrorista y detenerlo.

El argumento como vemos, es tan llamativo como difícil de digerir; resulta fascinante por sus inquietudes y planteamientos metafísicos sobre la conciencia y el espíritu humano, que llevan a formularse interrogantes como si es posible emularlos, (y de serlo, implantarlos en cyborgs). Todo indica que en el futuro en que se desarrolla la película, el año 2029, sí lo será.

La temática en torno a la inteligencia artificial, quizá no sea por completo original (ya hay más de una película que trata el tema), pero aporta seriedad y cierto mensaje sobre el devenir robótico del Hombre.

En este sentido, es plenamente vigente a pesar de los más de veinte años transcurridos y de hecho la inundación tecnológica que aquí se prevé ha resultado completamente cierta.

La película no es llevadera ni fácil de ver, precisamente. 

Conviene estar bien despierto, y preferiblemente, sin interrupciones, hasta el punto en el que la historia se te sujete y no puedas soltarte.

La riqueza del film en las ideas que aborda, lo hace de inmediato digna de ser considerada de culto. Y no es de extrañarse que se consolidara como un estandarte dentro de la ciencia ficción.

Si al espectador le gusta la ciencia-ficción introspectiva y ambigua (más de leer entre líneas que de dejar las cosas claras) le fascinará esta historia.

Es difícil explicar cómo es Ghost in the Shell como película, sin entrar en cuestiones filosóficas. Ya que la potencia de la película es precisamente su capacidad, para hacer que el espectador se plantee la pregunta más simple dentro de la trama, pero también la más difícil de responder: ¿cuándo un humano deja de serlo?








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Salvar al soldado Ryan (1998): La crueldad de la guerra



Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Tras el desembarco de los Aliados en Normandía, a un grupo de soldados americanos se le encomienda una peligrosa misión: poner a salvo al soldado James Ryan.

Los hombres de la patrulla del capitán John Miller deben arriesgar sus vidas para encontrar a este soldado, cuyos tres hermanos han muerto en la guerra. Lo único que se sabe del soldado Ryan es que se lanzó con su escuadrón de paracaidistas detrás de las líneas enemigas.

La Segunda Guerra Mundial, es una época de nuestra historia, que ha generado muchas relatos que contar. 

Sobre todo historias, que son adornadas con un heroísmo y entrega, que no vemos tan asiduamente en otras guerras.

Los soldados debían luchar donde se les enviara, con la certeza de que podrían morir en cualquier frente de batalla. Es como si la gente en aquella época estuviera hecha de otra pasta y eso lo aceptemos de forma natural.

Poco se puede decir ya de Spielberg y poco se puede decir de esta auténtica obra maestra, y es que nunca hasta entonces, y todavía a día de hoy, se ha dirigido de una manera tan nítida y transparente el mundo de la guerra.

La muerte, la destrucción, la barbarie y la mutilación son representadas de una manera espectacular y cercana, fascinando e incomodando a partes iguales.

Steven Spielberg no escatima recursos para mostrarnos lo duro que fue esta guerra; como hizo sufrir a los soldados física y psicológicamente. Un fragmento de la película espectacular y que no deja indiferente a nadie.

Pero no todo son combates sanguinarios; la duda moral que plantea la misión principal, planea entre los integrantes del grupo. Dando así oportunidad para construir mayor dramatismo y generar incertidumbre; que el director sabe explotar muy bien a su favor.

Para mí, lo más importante que plantea esta película es el término de "rentabilidad humana" en una guerra; lo explica el capitán Miller (Tom Hanks). 

En una guerra, la muerte de un soldado tiene que servir para salvar y asegurar la vida de varios soldados, y para que la compañía o el ejército tome el dominio de una posición e incluso ganar cierta batalla y la guerra finalmente. Ese es el coste de la inversión en una guerra.

En esta película ocurre todo lo contrario. Varios soldados tienen que arriesgar su vida para salvar sólo a uno. 

Es una situación excepcional casi impensable en una guerra, pero al parecer ocurrió de verdad puesto que la historia, se basa en un hecho real.

La interpretación de Tom Hanks es excelente. Merecía la nominación al Oscar, incluso teniendo en cuenta quien la ganó, no hubiese estado de más concedérselo a él.
Aun siendo el claro protagonista, tampoco ensombrece el trabajo de los demás actores que le siguen.

Como la mayoría de las cintas de Spielberg, el sentido del espectáculo está muy logrado; quizás el argumento sea demasiado rebuscado y haya un exceso de sentimentalismo; algo habitual en muchas de sus películas.

Aunque en definitiva, si se desea ver una película bélica moderna, esta para mí es un gran ejemplo de ello.








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Titanic (1997): El naufragio más famoso de la historia



Jack (DiCaprio), un joven artista, gana en una partida de cartas un pasaje para viajar a América en el Titanic, el transatlántico más grande y seguro jamás construido.

A bordo conoce a Rose (Kate Winslet), una joven de una buena familia venida a menos que va a contraer un matrimonio de conveniencia con Cal (Billy Zane), un millonario engreído a quien sólo interesa el prestigioso apellido de su prometida. 

Sin ninguna duda, es una de las películas que más éxito cultivo en la década de los años noventa, un éxito cinematográfico que logro 11 premios Oscars y una cantidad muy elevada de seguidores fieles, que no dejan de verla cada vez que pueden.

Por otro lado James Cameron no dejo lugar a dudas, ya que con el elevado presupuesto que manejaba (construyo un barco real para el rodaje), logro hacer un producto altamente rentable.

Muchas son las voces a favor, pero no todo iban a ser críticas favorables, todo lo contrario, muchas son las voces que opinan en contra, argumentando que es una historia de amor irreal, demasiado trágico.

Pero lo mejor para poder disfrutarla, es abstraerse de las criticas tanto buenas como malas y lograr obtener una conclusión personal.

A pesar de ser sumamente comercial, la película tiene grandes aspectos que le dan mucho mérito. 

Muy bien hecha, producida y dirigida. Buenas actuaciones, buena banda sonora, buenos efectos: un gran producto.

En el reparto se situaría mi único “pero”. Kate Winslet está magnifica, pasando de la contención exigida a una dama de esa época a la luchadora infatigable de la parte final.

Sin embargo, DiCaprio... Es cierto que enamora, que su presencia en la pantalla llena; pero cuesta llegar a ver en ese “ángel” a un duro chico de la calle; creo que sería mejor un actor con una pinta más golfa (siempre pensé en Brad Pitt).

Los demás secundarios, excelentes en cada una de sus interpretaciones y asombrosamente parecidos, a los personajes reales que existieron. Esa es otra de las virtudes, la reconstrucción fidedigna, extremadamente documentada.

Lo más meritorio es haber rescatado del fondo del mar la conmovedora historia de este naufragio, que aunque ya había sido abordado anteriormente por el cine; para las nuevas generaciones, esta es su primera exposición ante el hundimiento del famoso Titanic.

La trama basada en hechos y testimonios de los sobrevivientes. 

Relata los grandes errores cometidos por la tripulación que conllevaron en el desastre. 

Todo esto complementado con la ficticia historia de amor entre Jack Dawson y Rose Dewitt Bukater, la cual es intensa y apasionante.

El acierto de Cameron está en entrelazar ambas historias, permitiendo ofrecer al público, mucho más que una simple historia de amor sin más.

Esto le lleva a manejar dos películas a un tiempo que se funden como una sola, en un equilibrio perfecto.


Atrapa de principio a fin. Conmovedora e impactante, para visionar más de una vez.






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Un dia de furia (1993): Un mal día lo tiene cualquiera



En Los Ángeles, durante una jornada especialmente agobiante a causa del calor y del colapso del tráfico, de repente, un ciudadano normal se rebela de manera violenta y destructiva contra todo lo que lo rodea.

Bill Foster (Michael Douglas) no es más que un hombre corriente que supera como puede las frustraciones de cada día y que lo único que quiere es regresar a casa.

Profunda y dura crítica al "sueño americano" por dejar al descubierto su parte más amarga y oscura: la de aquellos que fracasan en el intento por alcanzarlo y van comprobando irremediablemente como sus vidas (y hasta su salud mental) se van derrumbando, hasta quedarse como parias en tierra de nadie, como proscritos en el limbo de los apestados del sistema.

Honestamente no esperaba tanto de esta película, pero tiene algo que no sé que es, tal vez esa necesidad que de pronto tenemos, de hacer la justicia por propia mano.

Se nos reflejan las consecuencias de las vidas estresantes hasta la pérdida del control, contada con total sarcasmo, con un estilo tan surrealista que impresiona, llegando a ser una película obscena, explícita y patológica.

Michael Douglas, un actor que no despierta mi devoción, precisamente, aquí hace uno de sus mejores papeles metiéndose en la piel de un inadaptado social con problemas laborales, familiares y, sobre todo, de identidad y autoestima.

Existe un placer secreto en que otra persona canalice todas las frustraciones de la sociedad. Muchos cómicos lo hacen. En la película esto se lleva al extremo, para un mayor impacto dramático. 

El protagonista no es un sociópata, pero ha cruzado la línea, y se ha situado al margen de cualquier autoridad o norma de convivencia.

Obviamente no es un ejemplo a seguir, y ese es el mensaje de la película, pero todos nos hacemos cómplices suyos, pues nos identificamos con las cosas que le pasan en la vida diaria y estresante de las grandes ciudades.

En el otro extremo, un Robert Duvall igualmente afortunado, da vida a un veterano sargento de policía en las horas previas al retiro, cuya vida marital tampoco puede decirse que sea modélica.


No es una obra maestra, pero si que al menos permite reflexionar sobre ciertas injusticias que existen en la sociedad actual y que admitimos como "corderitos". 

La película se deja ver pero tiene un final demasiado esperado que te deja la idea final de que siempre continuarán todas las cosas como están y los que se revelan contra el sistema, no tienen nada que hacer pues ni el sistema ni los ciudadanos que lo componemos, vamos a apoyarles.





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The Stooge (1951): El Títere



Bill Miller (Dean martin), estrella de Broadway y parte de un exitoso dueto musical cómico, decide que podría ser una gran estrella actuando en solitario. A pesar de que a su alrededor, le aconsejan no hacerlo.

Como se predijo, su actuación en solitario fracasa, debido a sus chistes pobres y poco inspirados. Su agente Leo Lyman, (Eddie Mayehoff), lo convence para conseguir a un "Stooge" (animador, cómplice) para sentarse entre la audiencia, e increparle, con la esperanza de darle vida, a su actuación estancada.

Es entonces cuando entra en acción Ted Rogers (Jerry Lewis), el chico para todo contratado para asumir este papel. El nuevo acto conlleva un gran éxito, por la química surgida entre ambos.

Bill y Ted viajan por el país cosechando una fama cada vez mayor,, pero los delirios de grandeza de Bill, le hacen seguir considerando su espectáculo, como único protagonista. 

A pesar de que la mayoría de los periódicos elogian a Ted; él no recibe reconocimiento en cuanto a una retribución económica más justa. 

Un hecho que no parece molestarle, ya que se contenta con ver a su amigo feliz. 

Realmente Bill, no tiene un trato despreciativo hacia Ted, ya que de alguna forma le cuida y trata como un hermano mayor, si bien no le considera más que un apoyo, para "SU" espectáculo.

Bill Miller tiene un ego demasiado grande, como para compartir su éxito y ganancias por igual con Ted, así como reconocer su imprescindible papel en el show.

Ted es ingenuo en todos los sentidos y no tendrá una mala palabra para su "compañero", especialmente cuando su novia, e incluso la esposa de Bill, tratan de hacerle entender que sólo está siendo utilizado.

El fracaso de Bill, al darse cuenta de que en realidad es parte de un doble acto mega exitoso, finalmente amenaza con alienar a todos los que están cerca de él e incluso provocar el fin de su matrimonio.

Cualquier amante del cine clásico de humor, conocerá sobradamente a Dean Martin y Jerry Lewis. Ambos se dieron a conocer y alcanzaron el éxito como dúo, actuando en clubs nocturnos, entre 1946 y 1956, pasando a la radio, la televisión y el cine, con un éxito descomunal, llegando a convertirse en América, en un fenómeno social en la época.

Ambos popularizaron el famoso tandem de el listo y el tonto, el galán romántico y el ingenuo, que hace payasadas. Una fórmula, ampliamente conocida y explotada en cualquier ejemplo de dúo cómico, en la historia del espectáculo. 

Si bien, en su caso, la fórmula de su éxito, fueron las cualidades melódicas de Dean como cantante romántico, combinado con el humor físico y excéntrico de Lewis. 

Si le añadimos además, la relación afectiva que ambos mostraban, tanto en pantalla como fuera de ella, al igual que dos amigos íntimos o dos hermanos, fueron claves, para ganarse el cariño del público.

Su asociación como pareja artística, también estuvo salpicada de momentos de tensión y conflictos, ante el progresivo crecimiento en cuanto a importancia de Jerry, sobre Dean. 

La película "The Stooge" refleja de una manera extrañamente coincidente ese conflicto, así como la recreación de algunos de sus hilarantes sketches de sus shows.

Cuando se separaron, después de 10 años juntos, los críticos estaban convencidos de que Dean Martin desaparecería de la escena y no sería capaz de seguir sin Jerry; que sin duda se convertiría posteriormente, en uno de los reyes de la comedia de Hollywood. 

Por lo que, es curioso comprobar como la película, no deja de ser un caso, de la vida imitando el arte. 

Aunque todo el mundo sabe que, tanto Dean como Jerry, siguieron teniendo carreras exitosas en solitario.

Con respecto a la película, ambossaben defender bien, sus papeles tanto dramáticos como cómicos. Es la película más interesante, de entre todas las que el dúo protagonizó; que siguieron un esquema fijo de comedia musical, salpicada de chistes y gags. 

Precisamente, esa vena tragicómica que abarca toda la historia, la hace ser digna de destacar; además de hablarnos de la trastienda del mundo del espectáculo, con sus luces y sombras. Hubiera sido genial, haberlos visto hacer un par de películas juntos, que siguieran la línea de ésta.








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La Pequeña (1978): La pequeña prostituta



En 1917, en Nueva Orleans, Madame Nell (Frances Faye) consigue darle “caché” a su burdel, y solo políticos, militares y gente de clase, consiguen visitarlo.

Acoge a una decena de prostitutas, que trabajan y viven en ella, en compañía de sus hijos e hijas menores de edad. Allí se encuentra Hildegard Marr, "Hattie" (Susan Sarandon), y su hija de 12 años, Violet (Brooke Shields). 

Hattie permite, sin pudor alguno, que ella vea, observe y vaya aprehendiendo la realidad que, un día no muy lejano, le tocará vivir.
Un fotógrafo, aficionado a las instantáneas femeninas, traba amistad con Hattie y siente especial simpatía por Violet.

La Pequeña supuso el debut en el cine de una jovencísima Brooke Shields, que a sus doce años interpretó a una prostituta infantil, en esta polémica cinta del director francés Lois Malle.

Creo que merece la pena ver la película aunque, en efecto, pueda resultar incómoda y morbosa para los puritanos y personas biempensantes, conocer la historia  de esa niña que vive en un burdel sureño junto con su madre prostituta (al invisible padre apenas se le menciona) y sus compañeras de oficio; y que no puede, de ningún modo, escapar a su destino.

La visión de los hechos corresponde a la de Violet, una niña preadeolescente, inocente e ingenua, que ha nacido en la casa y en ella ha vivido siempre, sin ir a la escuela y sin recibir ningún tipo de formación. Es analfabeta y sólo ha aprendido las artes de atraer la atención de los hombres y de agradarles.

La falta de afecto que padece, la suple con su cariño por los animales (el gato, la rata, el perro, el jilguero), la primera muñeca, que recibe a los 12 años.

Su infancia se ve rota súbitamente, con maltrato y abusos sádicos, que quedan fuera de pantalla, pero se revelan a través de su postura e inmovilidad en la cama, la salida precipitada y descompuesta del cliente y el reproche que ella dirige a las chicas.

Brooke Shields impresiona como Violet, la amorosa pequeña que vive su vida al revés, conociendo primero el uso y el abuso, para poder luego acceder a una muñeca, a un trato digno y a una vida con mejores oportunidades.

La madre de la niña, una estupenda y creíble Susan Sarandon, ve normal que su hija siga su camino, al igual que toda la familia que forma el burdel y que constituye la vida cotidiana y "normal" de la niña.

En el 78 esta película fue un escándalo por el tema que trataba (prostitución de una menor), y por una escena de unos segundos en los que Brooke sale totalmente desnuda.

Escándalo aparte, la película retrata la prostitución en un burdel de principios del siglo XX. 

Una prostitución donde las prostitutas son libres de irse o quedarse, donde los clientes visten de traje y chaqueta y donde la mayoría son empresarios y políticos de éxito.

No digo que no sea una visión edulcorada, pero también estoy seguro de que no tenía nada que ver con la trata de blancas y las mafias explotadoras de hoy en día, donde las chicas son auténticas esclavas.

En contra de lo que parece, hay cierto humor en esta película, incluso en los momentos mas duros y delicados. Es una historia hecha a través de pequeños detalles, gestos e insinuaciones. Una película que, aunque olvidada, merece la pena verse, más allá del morbo que pueda suscitar.







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Aeropuerto (1970): El Origen cinéfilo de las catástrofes aéreas




Un temporal de nieve azota Chicago, dificultando el intenso tráfico de su aeropuerto. A pesar de las malas condiciones meteorológicas, el aeropuerto consigue permanecer abierto; pero entre los aviones que despegan, causa una gran alarma el que vuela con destino a Roma, porque, entre los pasajeros, hay un polizonte y un hombre con un maletín sospechoso. 

Corrían los años 70 y en el cine comenzó a resurgir un nuevo género cinematográfico llamado "género de catástrofes".
 
Buena prueba de ello son las notables "El coloso en llamas", "Terremoto", o esta entrega de "Aeropuerto", que conocería varias entregas más con el mismo nombre y diversos años, años en los que estaban realizadas como "Aeropuerto 75", (1975), o "Aeropuerto 80", (1979).

Como suele suceder, las primeras partes son siempre las mejores, y "Aeropuerto" no fue una excepción.

La película mantiene en tensión desde el comienzo al espectador presentándonos una situación que involucra a un centenar de personas. 

Todos los personajes, tanto los que están fuera como dentro del avión, sufrirán momentos de angustia para intentar solucionar un problema de extrema gravedad.

Además de centrarse en el suspense que genera un atentado suicida dentro de un avión de pasajeros repleto, la película nos sumerge en las vidas sentimentales de algunos personajes principales derivando en algunas sub-tramas afectivas que bien valen la pena ser consideradas y reflexionadas. 

Como película catastrofista cumple y poco más, pero consigue lo más importante en una película, mantenerte en vilo hasta el final. 

Aunque las dosis de adrenalina no lleguen al nivel que podría, pero también te hacen el visionado más agradable.

El reparto está muy bien, encabezado por Burt Lancaster; Van Heflin haciendo de loco, las bellezas de Jacqueline Bisset y Jean Seberg, George Kennedy haciendo su papel y Dean Martin (actor poco creíble) cumpliendo con seriedad.

Pero más allá del argumento, que daría, como he dicho antes, para una saga, lo que me ha quedado a mí es una anécdota. 

Eso sí, seguro que durante aquella época, no niego que la película fuera un auténtico fenómeno de masas, y que a mucha gente se le quitarían las ganas, de montar en avión durante un tiempo.





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